Vitralls.

A diferència del que passava a Itàlia, al nort d'Europa els vitralls foren l'art preferit fins el segle XV. El desenvolupament de l'Arquitectura gòtica amb la progressiva substitució del mur per grans finestrals amb vitralls de colors que permeten el pas cap a l'espai interior d'una llum polícroma i matisada, va implicar, a les grans catedrals gòtiques de França, a la pràctica desaparició de la pintura mural que s'havia desenvolupat àmpliament als murs de les esglésies romàniques.

El mur translúcid va ser el primer espai propi o àmbit on es van desenvolupar les arts del dibuix i del color al Gòtic. Durant la baixa edat mitjana l'art dels vitralls de les catedrals i esglésies es va desenvolupar, a Europa, paral·lelament amb l'arquitectura gòtica, la qual es caracteritzava per l'altura de les seves naus i l'audàcia de les seves estructures amb voltes de creueria que es recolzaven a esvelts suports i arcbotants per transmetre a terra el pes i l'empenta de les voltes, alliberant de les funcions resistents als murs dels edificis que progressivament van ser substituïts per finestrals i traceries o puntes de pedra amb vitralls de color.

En una primera etapa els colors són vius i saturats, el plom delimita les formes, les quals són delineades amb precisió per poder ser vistes a través de la irradiació lluminosa de la vidriera, això condueix a la tendència de descompondre la vidriera en medallons, nínxols o un altre tipus de compartiments. Les vidrieres revelen, més que cap altre art, el component irrealista i artificial de l'art gòtic.

A mitjans del segle XIII es produeix una modificació profunda de la gamma de colors ja que els fons incolors s'associen als tons trencats de les escenes i figures. Amb una gamma potent però restringida, les menudes figures humanes es fan més agitades i lliures. A l'església de Sant Urbà de Troyes (cap a 1270) o en els vitralls de mig punt de la catedral de Beauvais, és on es donen els millors exemples d'aquestes innovacions.

Al segle XIV, després del descobriment del groc de plata dels vitralls guanyen en lleugeresa, omplint-se d'un preciosisme daurat que abans mai van tenir. A Normandia, al cor de Saint-Ouen de Ruen i a la Catedral de Evreux es troben els vitralls més belles. L'art dels vitralls culmina en un estil exquisit d'una qualitat igual o superior a les obres mestres de la miniatura. A la conca del Loira, a Xampanya o Alsàcia es completa el panorama de les vidrieres a França, culminant en les naus laterals de la Catedral d'Estrasburg.

A Anglaterra destaca la gran finestra occidental de la catedral de York. A Espanya, els vitralls més importants són les de la catedral de Lleó.

Pintura sobre taula.

Encara que s'ha dit que la pintura gòtica té el seu espai propi en els grans vitralls de les Catedrals i en les miniatures policromes dels llibres, el cert és que la pintura pròpiament dita on subsistir va ser en els retaules, les taules pintades que formen els frontals o els laterals dels altars i en els murs de les capelles laterals.

Pot diferenciar-se, a més, entre els retaules, que són taules pintades o esculpides que ornamenten els altars de les esglésies, i les taules de devoció, individuals, més petites, que adornen les esglésies i les cases particulars.

La pintura sobre taula, generalment retaules, es va imposar per tot Europa. Al segle XV era ja la forma pictòrica predominant, suplantant fins i tot a les vidrieres. De taules o frontals únics es va passar a díptics, tríptic, i després complicats políptics que combinaven nombroses peces fins arribar als grans retaules del segle XIV, amb moltes taules que s'organitzen amb el banc o predel (cos inferior) i carrers verticals, separades per estretes entrecalles, al carrer central es representava el tema principal del retaule.

S'executava al tremp, que usava com a aglutinant l'ou o la cola obtinguda dels ossos d'animals. És novetat de l'última fase del gòtic el canviar aquest aglutinant per oli, donant així lloc a la pintura a l'oli. L'oli sobre tela no es va fer popular fins als segles XV i XVI i va ser el punt de partida de l'art renaixentista.

Períodes de la pintura gòtica.

Estil gòtic-lineal o franco-gòtic

L'estil gòtic lineal es desenvolupa entre el segle XIII i el XIV. Hi destaca la importància que dóna a les línies del dibuix. Predomina un cromatisme viu davant els matisos de color. Els temes, naturalistes, es tracten amb senzillesa.

Exemplifica aquesta època les vidrieres de les catedrals i les miniatures. A França, destaca el conjunt de la catedral de Chartres. Altres vitralls són les de les catedrals de Bourges, Tours, Bayeux i de la Sainte Chapelle de París.

És característic de les miniatures d'aquesta època l'ús de enquadraments arquitectònics, així com l'ús abundant d'or i les orles vegetals.

Entre les obres produïdes dins d'aquest estil, cal citar les Bíblies historiades, com la Bíblia Pauperum, les dues bíblies de Pamplona o l'anomenada Bíblia moralitzador de Sant Lluís (catedral de Toledo); altres obres de devoció van ser el Salteri de la reina Blanca de Castella (Biblioteca de l'Arsenal, París) i el Pasionaria de Cunegunda (Praga), ja del segle XIV. L'obra mestra de la miniatura espanyola de l'època és el Còdex de El Escorial de les Cantigas, obra de l'scriptorium d'Alfons X.

Comença a veure's en aquesta època pintura sobre taula, es pot esmentar el Díptic de la Verge (Museu de Berlín) i nombrosos frontals catalans i aragonesos, com el de Valltarga o el d'Avià. A Espanya es segueix conreant la pintura mural en aquesta època, destacant la Sala Capitular de Sigena (MNAC) i la capella de Sant Martí, a la catedral vella de Salamanca, obra d'Anton Sánchez de Segòvia. Al sostre de la catedral de Terol es poden veure les pintures atribuïdes a Domènec Peñaflor.

Estil italo-gòtico

Aquest estil es va anar formant al llarg del segle XIII (Duecento) a Itàlia. Es van fondre les tradicions de l'art bizantí amb els primitius estils clàssics o paleocristians en pintures i panells de Florència i Siena. Demostraven més realisme del que es trobava en l'art romànic i el bizantí, caracteritzat per una fugida de l'anomenada maniera greca que dominava Itàlia, i que va ser substituïda per un estil més realista.

Se sentia fascinació per la perspectiva, i per la il.lusió de crear espais que semblen reals, amb figures menys rígides i estilitzades, més anatòmicament correctes i que presentaran estats d'ànim en els seus gestos i actituds. Es mostra també un interès per la narrativa pictòrica i una espiritualitat intensificada per influència franciscana.

En el segle XIII (Duecento) es distingeix l'escola toscana, particularment l'obra de Giunta Pisano. A aquesta primera etapa de la pintura gòtica ha d'atribuir igualment la tasca de l'escola romana de mosaics i pintural murals, els noms més destacats són els de Jacopo Torriti i Pietro Cavallini. Cavallini va fondre la pintura de la tradició local romana (art romà i art paleocristià) amb les convencions bizantines, els seus vigorosos i bells frescos i mosaics mostren un domini del naturalisme.

Escola florentina

Es considera Cimabue l'iniciador de l'escola florentina del Trecento. Va treballar a Roma el 1272, coneixent allà el món clàssic i la pintura paleocristiana i romànica, el que li va influir per abandonar la bidimensionalitat de l'estil bizantí i encaminar-se a un major realisme. La seva obra més coneguda és la Majestat, que estava a l'altar de l'església de Santa Trinità de Florència. A finals de segle va estar treballant en la d'Assís.

No obstant això, el gran mestre d'aquesta escola és un deixeble seu, Giotto (h. 1266-1337), al qual es considera com a autèntic iniciador de la pintura moderna. És Giotto qui busca representar l'espai correctament, així com adequar les expressions i els gestos en relació amb l'estat d'ànim del personatge. Va donar un tractament revolucionari a la forma ia la representació realista del paisatge, introduint la tridimensionalitat, el que va significar un gran pas en la història de la pintura. Amb ell arriba al cim la pintura gòtica italiana.

A la Capella dels Scrovegni, a Pàdua, es troba tot un cicle de frescos (1305-1306) que van mostrar escenes de la vida de la Verge. També és important la seva intervenció a Assís, amb un cicle sobre la vida de Sant Francesc. Giotto tenia un gran poder per organitzar tota una escena al voltant d'una imatge central, com es pot veure en una de les seves obres més famoses, El petó de Judes. Va estar a Roma el 1330, on va pintar un fresc al palau del Laterà. Allà va conèixer les innovacions de Pietro Cavallini.

La impressió que els va causar la fidelitat a la naturalesa de l'obra de Giotto als seus contemporanis, va ser irresistible. La capacitat de simplificar i ordenar l'experiència de la realitat per aconseguir la representació directa de les coses, al costat de la disposició les històries en compartiments historiats concebuts com finestres on Giotto situa els personatges carregats encara d'un pes escultòric que contrasta amb l'eloqüència dels seus gestos.

Sobre el fons d'arquitectures o paisatges dibuixats en complexes perspectives, Giotto desenvolupa l'«espai pictòric», un àmbit tridimensional que s'estén en profunditat per darrere de la superfície pintada en el que és la principal innovació de la pintura del Trecento i el més important avanç que s'hagi donat en tota la Història de la Pintura. Amb l'espai pictòric neix la pintura moderna. Seguidors seus van ser Taddeo Gaddi i Andrea Orcagna.

La Pesta Negra que va devastar Itàlia a mitjans del segle XIV va afectar profundament Florència, el mateix que Siena. La seva versió més impressionant és un fresc executat en l'any 1350 al Camposanto de Pisa, el cementiri al costat de la catedral de Pisa. Aquesta obra, atribuïda a Francesco Traini, deixeble i seguidor de Giotto, reprodueix fragments dramàtics i simbolitza el crepuscle de la gran pintura italiana del Trecento. Un incendi, el 1944, va danyar el fresc, que va haver de ser retirat.

L'herència de Giotto i Martini que havia suscitat la més gran renovació pictòrica de tota la Història de la pintura, no es retrobarà a Itàlia fins un segle més tard, quan el geni de l'arquitecte Brunelleschi, juntament amb els pintors Masaccio i Piero della Francesca o de l' escultor Donatello, eleven les destinacions de l'Art fins el Renaixement.

Escola sienesa

S'inicia amb Duccio, que, tot i fortament influït per la pintura bizantina, va intentar superar la seva bidimensionalitat. En els segles XIII i XIV, la ciutat de Siena competia en l'esplendor del seu art amb Florència. És en aquesta ciutat on Duccio executa la seva gran obra i una de les més famoses pintures italianes: la Maestà de la catedral de Siena. Va ser contractada per la catedral de Siena el 1308 i instal·lada allà amb gran cerimònia el 1311. Posteriorment, l'obra va ser desmantellada i venuda, en part perquè no era apreciada.

Com a conseqüència, hi ha panells de la Maestà en diverses parts del món, com Washington DC, Nova York i Londres. La Maestà va ser pintada per les dues bandes: en un costat la Verge amb el Nen i en l'altre escenes dels Evangelis; revela forts lligams amb la tradició bizantina, i es pot apreciar la influència d'Europa Septentrional en les formes gracioses i ondulants de les figures. Duccio va rebre aquesta influència de segona mà, a través de les escultures de Nicola i Giovanni Pisano.

Es considera Simone Martini com l'artista més purament gòtic de Siena, exemple per antonomàsia de l'estil italo-gòtic, i l'únic que podia rivalitzar amb Duccio. L'estil gòtic nord-europeu estava representat en la Itàlia de l'època per França. El 1266 una de les branques de la Casa d'Anjou va establir una cort a Nàpols i Martini va ser cridat per pintar un quadre per encàrrec del rei Robert el Prudent. La seva Mare de Déu amb sants i àngels del gran saló del Palau Comunal de Siena (1315) és molt característica, posant de manifest la influència que hi va exercir la pintura francesa, tot i que encara manté llaços amb la tradició bizantina.

Els germans Pietro i Ambrogio Lorenzetti porten la marca de Giotto a l'escola sienesa. Els germans Lorenzetti van difondre un model de Verge amb Nen en un col·loqui impregnat de tristesa. De les obres que van executar, la més destacada d'Ambrogio és el fresc que representava les al·legories del Bon i del Mal Govern, encarregat per a l'interior del palau comunal de Siena. Era el primer intent de mostrar un escenari real amb habitants reals.

A la Al·legoria de la Pau es troba representat el model de bellesa femení de l'època. Tots dos germans van morir de cop i volta a l'any 1348, probables víctimes de la Pesta Negra.

Les basíliques d'Assís van ser el lloc on van coincidir els grans pintors del final del Duecento amb els del Trecento: Cimabue juntament amb els seus deixebles, va pintar en les dues basíliques.

Giotto amb els seus deixebles, va pintar les Històries Franciscanes de l'Església Superior, altres pintors de l'escola florentina així com Duccio di Buoninsegna, Simone Martini i altres pintors de l'escola sienesa van estar també a Assís. Reinventaren el retaule o la pintura sobre taula que decorava els altars de les catedrals i esglésies toscanes i van continuar la tradició de la gran pintura mural que culminarà al Palau dels Papes d'Avinyó.

Tornar